La difícil relación entre la música, los músicos y el marketing político

Como ya he comentado más de una vez, la música tiene una capacidad mágica para transmitir mensajes. Es por ello que no ha de extrañar a nadie que sea un recurso muy utilizado hoy en día en la política, y en especial en las campañas electorales. Si bien es verdad que en España nuestra política no está tan “avanzada” en ese aspecto, el uso de música fuera de nuestro país es un recurso muy utilizado, sobre todo en países como E.E.U.U., dónde el show business en campañas políticas consiste el pan de cada día.

Corría el año 1984 y Ronald Reagan comenzaba su campaña electoral para salir reelegido presidente por segunda vez. El antes actor de Hollywood era perfectamente consciente de que intentar volver a conseguir los votos no iba a ser coser y cantar. Tras su primer término se había ganado la antipatía de muchos republicanos, además de tener que aguantar constantemente las críticas de los demócratas que veían en el a un extremista obsesionado con la guerra fría. Reagan, bajo el eslogan “It´s Morning Again in America”, decidió apelar al sentimiento patriota estadounidense y se le ocurrió cometer el error citar a Bruce Springsteen y a su famoso tema “Born in the U.S.A.” a pesar de que el músico le había prohibido en privado usar su canción. Hay que tener en mente que Born in the U.S.A. (que, por cierto, no habla de las virtudes sino de los defectos del sueño americano y con un tono más bien pesimista, aunque su estribillo pueda incitar a lo contrario) era por entonces el gran hit del momento y Bruce se había establecido como el cantautor por excelencia americano; así, lo que en un principio sirvió para ganar votos, le acabó costando caro a Reagan al provocar la ira del músico, que decidió usar su fama para lanzar un mensaje político anti Reagan. Aunque al final Reagan volvió a ganar, se puede decir que este acto marcó un precedente en la relación música-marketing político, poniéndose multitud de artistas de renombre del lado de Springsteen.

Y es que, hemos de entender que la música también tiene su propia vertiente política. Muchos artistas usan su música para expresar su perspectiva sobre distintos asuntos o para hablar o defender sus ideales. Así pues, es normal que muchos músicos se enojen cuando se enteran de que un político está usando sin permiso sus obras para promocionar sus ideas, y más aun cuando el político del que hablamos se trata del polémico Donald Trump.

Trump ha estado utilizando distintas canciones icónicas durante la anterior campaña electoral estadounidense. Lo gracioso es que no ha podido usar ninguna de estas canciones de manera muy continuada porque la mayoría de las veces al día siguiente los músicos se daban cuenta y contactaban con su equipo prohibiéndoles el uso de los temas. Ejemplos tenemos a mansalva, destacables quizás son los casos de Queen (dónde el mismo Brian May tuvo que insistir en que se dejase de usar el épico tema “We Are The Champions”, que buscaba que se percibiera a Trump como el claro ganador antes de las mismas elecciones) y de los Rolling Stones (el magnate usó el famoso “You Can´t Always Get What You Want” con la intención de hacer un guiño a los Republicanos que tenían dudas acerca de si votarle o no).

Los Rolling también han sido partícipes de otro famoso incidente político, en este caso en Alemania. La actual canciller alemana, Angela Merkel, decidió usar a propósito de su nombre la canción “Angie” para su campaña electoral. Y como era de suponer, a Mick Jager y compañía (también conocidos como Sus Satánicas Majestades) no les hizo mucha gracia que la Unión Demócrata Cristiana usase uno de sus temas con fines políticos.

Y me despido ya definitivamente, espero que hayas disfrutado leyendo este blog tanto como yo escribiéndolo. ¡Paz y rock and roll!

Ignacio DR

Kendrick Lamar DAMN.

El pasado viernes 14 de abril, el rapero de moda Kendrick Lamar sacó su cuarto disco DAMN., el cual no ha tardado en llegar a las listas de éxitos en todo el mundo y suena de fondo mientras escribo esta entrada. El tema principal del álbum es la dualidad contradictoria de la naturaleza humana en la persona, una cuestión reflexiva que Kendrick va ilustrándonos con ejemplos cotidianos. La temática reflexiva combinada con la excelente capacidad lírica y musical del artista ha llevado a que el rapero de Compton se sitúe en el número 17 de la lista de artistas más escuchados mundialmente en Spotify, con nada menos que casi 27 millones de oyentes mensuales, y le ha consagrado como uno de los mejores raperos de la historia.

Pero este “bombazo” comercial también debe parte de su éxito al inteligente plan de comunicación que ha seguido el artista (y su equipo), gracias al cual ha tenido en vela a una legión de fans expectantes ante la publicación del álbum. Veamos esto más a fondo…

Habiendo sacado en 2015 su álbum To Pimp A Butterfly y al año siguiente otro disco sin título compuesto por múltiples canciones que no se publicaron en el disco de 2015, Kendrick hizo pensar a sus fans que ya tenían más que suficiente material suyo para, al menos, un par de años. Por eso mismo, cuando empezaron los rumores de que un nuevo álbum suyo estaba de camino el público reaccionó sorprendido. El rapero optó por jugar un papel eclíptico y decidió esperar unos meses sin confirmar ni denegar nada, hasta que un día borra todas las fotos de su cuenta de Instagram (donde tiene más de 4,6 millones de seguidores) y sube una foto que parece promocionar su nuevo álbum (recordemos que era su cuarto álbum de estudio).

No obstante, el artista nos engañó a todos. Esa misma noche saca como single “The Heart Part IV”, la cuarta entrega de uno de sus temas cuya portada resulta ser la misteriosa foto de Instagram (la cual luego fue borrada). Pero los fans no se decepcionan, la canción es buena y adquiere popularidad, pero tienen ganas de más, el mismo tema deja caer que va a haber un nuevo álbum en abril.

Y es que, en menos de una semana, Kendrick anuncia oficialmente el nuevo disco y saca el que será su primer y único single del disco: “Humble”. La atmósfera hasta entonces creada es idónea para la publicación de la canción, que debuta como nº 2 en la famosa lista de Billboard Hot 100 superada solo por “Shape ofYou” del cantautor Ed Sheeran.

Dos semanas después, se publica DAMN. y se convierte en el disco más vendido de 2017 hasta la fecha. Chapeau! Aquí te dejo con mi tema favorito del álbum:

https://open.spotify.com/track/5AL46kwqlBX7qWP3qUppJe


Ignacio DR

Portadas geniales de geniales álbumes

Como ya señalé hace tiempo, la portada es uno de los principales atributos funcionales de un álbum de música y hoy me apetece centrarme un poco más en este tema. No solamente la podemos ver en el “envase” de los CDs y vinilos, sino que también aparece presente en los medios de música digital. Una portada llamativa y con significado propio es una gran forma de caracterizar a un álbum y distinguirlo de otros álbumes, lo cual conlleva, si se hace propiamente, una mejor comercialización. Van aquí una serie de ejemplos ilustrativos, que seguro más de uno te suenan:

The Velvet Underground & Nico – The Velvet Underground

Diseñada por el mismo Andy Warhol (por entonces manager del grupo), es una auténtica obra de arte pop esta portada, y probablemente más conocida que el mismo grupo de Lou Reed en sí. No obstante, el contenido del disco está a la altura de la portada, ambos desprenden una sensación de experimentalismo vanguardista combinado con tradición y realismo. Un dato curioso sobre el disco: Inicialmente se previó que se tuviera la posibilidad de pelar la piel del plátano, bajo el cual encontrábamos un dibujo de un plátano rosa. Sin embargo, las pegatinas tenían que ser pegadas a mano, por lo que solo muy pocas ediciones de este tipo fueron producidas antes de que se hartasen los encargados.

Axis: Bold As Love – The Jimi Hendrix Experience

Jimi Hendrix, “el mejor guitarrista de la historia” según muchos, es el principal protagonista de este álbum lleno de rock psicodélico. La ilustración de la portada muestra a los tres miembros del grupo junto a los principales dioses hindúes. Llena de colores y simbología, es una imagen que sin duda llama la atención. La elección del motivo hindú se realizó porque se empezó a poner de moda en la cultura hippie todo lo que tuviera que ver con la India; de hecho, un año después de la producción del disco, los Beatles hacían su famoso viaje a la India. Curiosamente, Hendrix nunca llegó a estar completamente satisfecho con la portada, habiendo preferido haber usado un motivo relacionado con los indios norteamericanos, de quienes en parte descendía, antes que con los hindúes.

Never Mind The Bollocks – The Sex Pistols

Probablemente los Sex Pistols sean más conocidos por los líos que armaban y su actitud punk que por su música. Además, estéticamente sus apariencias y su carácter brutal no les ayudaban a conseguir más que notoriedad. Así pues, cuando el diseñador Jamie Reed tuvo que encargarse de elaborar una portada, para el que fue su álbum estrella, decidió prescindir de los miembros de la banda excusándose con un “They were ugly anyway”. En su lugar, Reed diseñó aposta una portada cuyo principal objetivo era ser llamativa a la vez que representativa de la estética punk. Viendo las pintas de los músicos y la portada del álbum, podemos concluir que no fue una mala decisión.

Dark Side Of The Moon – Pink Floyd

Si eres una de las grandes bandas de rock que jamás habrá en la tierra, la portada de tu álbum más trascendental no es un asunto baladí. Y es que detrás de esta simple portada, que ha pasado a convertirse en un símbolo de la música, encontramos un mágico simbolismo: La pureza y a la vez diversidad de la música (de Pink Floyd), pasando por el triángulo, que representa la ambición.

American IV: The Man Comes Around – Johnny Cash

Se trata del último disco que sacó en vida el cantautor norteamericano, publicado a poco menos de un año de su muerte. Como los otros volúmenes de la serie de discos “American”, la portada se caracteriza por un tono oscuro, triste e incluso reflexivo que armoniza a la perfección con el contenido del álbum. Las grabaciones son en su mayoría versiones magistralmente elegidas e interpretadas, a destacar especialmente esta versión del hit de “Nine Inch Nails”.

Ignacio DR

Los músicos como prescriptores

Hoy vengo a hablar sobre una técnica de marketing que muchas compañías utilizan: el uso de prescriptores, vulgarmente conocido como: utilizar a gente “famosa” para el anuncio de tu producto, servicio o marca. En concreto, me voy a centrar en la figura de los músicos como prescriptores.

Y es que si tenemos en cuenta el poder de influencia que tienen algunos músicos, llegando a tener ejércitos de fieles seguidores que les ven como modelos de vida y muchas veces solo por el hecho de hacer buena música o por su imagen (aunque también en muchos otros casos haya connotaciones políticas por enmedio), no podemos sino concluir que se trata de un gran instrumento de comunicación. Voy con algunos ejemplos:

1. Gorillaz y Converse

La compañía americana Converse lanzó en 2012 una colección de zapatillas con motivo de la celebración de los 10 años de la banda virtual de Damon Albarn. Como se puede ver en la imagen, las zapatillas consisten en los clásicos modelos Converse con diseños consistentes en los motivos de los álbumes de la banda o sus pintorescos miembros. Por su parte, Gorillaz produjo un tema promocional en cuyo extraño videoclip podemos ver constantes referencias a la marca de zapatillas.

2. Iggy Pop y Schweppes

Iggy Pop, leyenda de la música punk, una estrella de rock en toda regla, conocido no solo por su música sino por su actitud rebelde y vida pasada de toda clase de excesos. ¿Qué mejor persona para anunciar el intenso sabor de este producto de Schweppes “solo para adultos”? Te dejo con el divertido spot publicitario.

3. Run-D.M.C. y Adidas

Un caso curioso es el del grupo de hip hop americano Run DMC y Adidas. Los raperos eran grandes fans de la marca deportiva y cuando empezaron a ganar fama decidieron dedicarle este gran tema a cambio ser su imagen pública y poco más. Sobra decir que la canción fue un éxito tanto para el grupo como para Adidas, quién desde entonces ha seguido patrocinando a importantes figuras del hip hop como Kanye West.

4. Pete Doherty y Roberto Cavalli

Pete Doherty, el problemático cantante inglés, hizo de imagen pública de la nueva colección del diseñador Roberto Cavalli allá por 2007 junto con su actual expareja la supermodelo Kate Moss. En la imagen abajo, posando como Marlon Brando.

5. Jarabe de Palo y el documental Jarabe contra el cáncer

Pau Dones, líder de Jarabe de Palo y enfermo de cáncer sirve de imagen en este documental que nos explica el día a día de un enfermo de cáncer y busca hacer reflexionar a la sociedad y en especial a los que padecen cáncer sobre esta extendida y grave enfermedad. Es un buen ejemplo de marketing social y para instituciones sin ánimo de lucro (la Asociación Española Contra el Cáncer) y animo a todos a ver el documental.

Ignacio DR

La música como producto (IV): El siglo XXI y las nuevas tecnologías

El boom de las nuevas tecnologías ha revolucionado al mundo entero salvo algunas pocas excepciones. Este no es el caso de la industria musical, cuya dinámica de negocio ha dado un giro copernicano con la implantación sucesiva de los distintos avances tecnológicos.

En un primer momento la aparición de la música en formato digital implicó grandes cambios para la forma de comercializar la música. Ya no era necesario comprar físicamente el tan aclamado y moderno CD para escuchar música porque podías adquirirla en formato digital a través de portales de descargas de distinta índole, como por ejemplo iTunes. Esta etapa se caracterizó también por la aparición del Mp3 y el iPod, auténticos símbolos de la generación de melómanos de principios de los 2000, donde podías llevar encima tu música descargada sin ocupar apenas espacio.

Pero el gran avance se produce unos pocos años más tarde con la aparición de los servicios de streaming. Al igual que la música digital fue el causante de la decadencia del CD, los servicios de streaming han provocado que el número de descargas (tanto ilegales como legales) de música desciendan drásticamente. Lo que caracteriza a esta nueva forma del negocio musical es que, al contrario que el CD o la música digital, donde se vendía un producto tangible (en el caso de las descargas digitales, aunque no fueran directamente tangibles, estas ocupaban espacio de memoria en dispositivos electrónicos), aquí se vende un servicio intangible. La necesidad de escuchar música ha pasado de estar satisfecha por un producto a hacerlo mediante un servicio.

Consecuencia de esta última idea es que se pase de vender la propiedad de la música, como se venía haciendo desde la aparición de las discográficas (tu comprabas un disco y ese disco era tuyo), a vender su uso ilimitado (te haces cuenta de Spotify y no eres propietario de ninguna canción, pero puedes acceder sin problema a cualquier canción). El streaming tiene básicamente dos modelos de negocio: Suscripción y el acceso gratuito. La suscripción consiste en el pago de una cantidad fija mensual a cambio del acceso ilimitado a las canciones, ejemplos son Spotify, Apple Music o Tidal, aunque fuera del negocio musical también encontramos suscripciones (p.e. series y películas: Netflix, HBO, Yomvi…). Con el acceso gratuito lo que se hace es ganar dinero a través de anuncios, el ejemplo más claro es Youtube, aunque también Spotify tiene posibilidad de acceso gratuito.

A raíz de lo dicho, cabe pues reflexionar sobre este cambio de panorama en la industria musical que se ha dado en lo que llevamos de siglo y concluir que el mayor beneficiario es la sociedad, que tiene al alcance de su mano mucha más música y a menor precio que antes. Para cerrar te dejo la canción de Spotify con más reproducciones hasta el momento, a día de hoy más de 1.177 millones.

https://open.spotify.com/track/1xznGGDReH1oQq0xzbwXa3

Ignacio DR

La música como producto (III): La música comercial

¿Qué son las canciones comerciales? ¿Acaso existe la música comercial de por sí, o es solo un mero adjetivo que se usa para designar a aquellos temas que más triunfan en las listas de ventas? ¿Qué es lo que hace que pueda llamar comercial o no comercial a una canción?

En esta entrada voy a tratar de dar respuesta a estas preguntas y a alguna que otra más. Hablé hace ya algún un tiempo del nacimiento dela música como producto y de cómo implicó la asunción de una nueva concepción de la música (cómo producto) que desde entonces acompaña a la concepción tradicional de la música cómo forma artística de expresión. Pues bien, podríamos denominar música comercial a toda aquella música que desecha en gran parte su faceta artística en pos de la faceta de producto. Se trata de música que no se hace con vistas a crear una pieza de arte, sino que se orienta a su venta y a su mejor comercialización.

Ahora bien, si esto es verdad, ¿cómo consigo que se venda mejor una canción? A lo mejor las primeras ideas que te pueden venir a la mente son algo así como “pagando a la radio o a DJs para que den a conocer el tema y lo hagan famoso”, o “haciendo colaboraciones con artistas conocidos”, pero la realidad de la industria musical es muy distinta. La “magia” del marketing aquí radica principalmente en el proceso de la elaboración de la canción. El método más usado por los músicos es el empleo de determinadas progresiones de acordes, en concreto la progresión más común en nuestras listas de éxitos deriva del Canonen Re del músico barroco Pachelbel. Esta progresión está formada solamente por cuatro acordes y, sin embargo, tiene algo cautivador, algo que agrada a nuestro oído por naturaleza. Pero lo alucinante es que la podemos encontrar en CASI TODA la música actual, no bromeo, apenas hay artistas contemporáneos que se hayan privado del uso de esta dulce progresión. Aquí van varios ejemplos recogidos en este genial monólogo:

Y es que dicha progresión es una buena fórmula para triunfar, es desde luego pegadiza y es una progresión con suficientes cambios para considerarla expresiva. Si te vas a las listas de las canciones más exitosas de música pop vas a encontrar estos cuatro acordes a mansalva, lo dice hasta el mismo Ed Sheeran:

 

Pero fijémonos también en el otro lado de la moneda, aprovechándose de esas mismas ventajas, muchos músicos interesados principalmente en vender antes que en hacer música sacan continuamente temas con la misma progresión de fondo, destruyendo la originalidad. Por poner un ejemplo fácil y contemporáneo, el reggaetón abusa de esta técnica sin mayor pretensión aparente que la de ser una música pegadiza y bailable, si uno se fija bien casi la totalidad de los temas de reggaetón más populares del momento usan esta técnica. Conviene pues preguntarse si de verdad hay algo de valor artístico en hacer 100 veces la misma canción.

El problema radica a mi vista en el afán de querer lucrarse con la música a costa de la pérdida de calidad de esta. Las consecuencias de esto son básicamente negativas: aparte de la ya comentada falta de originalidad, el producir solo canciones de corta duración buscando la inmediatez y huyendo de la complejidad musical, las letras de baja calidad, la desaparición del concepto de álbum frente al auge de los singles… Son todas consecuencias del mismo problema.

Pero tampoco quiero condenar el uso de los cuatro acordes, después de todo es un recurso más que todo músico puede usar y su uso (moderado) ha producido grandes resultados, también desde un punto de vista artístico. Como prueba de esto, y ya para cerrar te dejo esta canción/recopilación de canciones, a ver cuántas reconoces:

Ignacio DR